Ambientaciones de kilómetro cero

¿Qué tienen en común Detroit: Become Human, Life is Strange y Control? Son grandes juegos con elementos fantásticos y (co)protagonizados por mujeres, pero eso no es lo que hoy nos ocupa. Los tres están ambientados en Estados Unidos, pese a ser obra de estudios europeos. ¿Por qué situarlos allí en vez de en su propio país?

Históricamente estamos muy acostumbrados a consumir ficciones que transcurren en el país americano casi por defecto, en cine, televisión, literatura y cómics. La diferencia radica en que para los dos primeros medios es necesario rodar allí si no quieres que chirríe mucho, pero en libros y tebeos basta con unas buenas descripciones para transportar a los lectores hasta allí y del resto se ocupa nuestra imaginación. Los videojuegos se hallan en un terreno intermedio: requieren una profunda documentación e investigación para recrear el ambiente deseado, pero no es necesario trasladar allí a todo el equipo, lo que facilita mucho el trabajo y permite ahorrar costes. Eso significa que cualquier desarrollador puede ubicar su obra donde desee, pero eso puede conllevar ciertos problemas.

Quantic Dream y Dontnod parecen estudios hermanos: dos empresas francesas centradas en títulos narrativos que casi siempre tienen lugar en Estados Unidos. Curiosamente, ambos empezaron con mundos propios en The Nomad Soul y Remember Me, pero rápidamente sus historias cruzaron el charco. Esa decisión pareció acertada a nivel comercial, ya que con su siguiente trabajo lograron el éxito gracias a Fahrenheit y Life is Strange. Eso les puso en el mapa y sirvió de fórmula para sus siguientes proyectos, ambientados siempre en diferentes zonas de Estados Unidos. David Cage reconoce que ese cambio fue deliberado «para que la historia resultara accesible e inmediata sin necesidad de más explicaciones». El equipo de Dontnod, en cambio, se decantó por Oregón «por su estilo nostálgico y otoñal». Aunque a ambas compañías les salió bien la jugada y han seguido haciendo carrera de ello, también han recibido algunas críticas por la superficialidad de sus propuestas, el abuso de clichés y un torpe uso de la jerga propia de un país y un idioma que no conocen en profundidad. Dontnod nos ha llevado después a Alaska y Virginia Occidental con Tell Me Why y Twin Mirror, pero sin abandonar ese tono de peli indie de Sundance que resulta casi paródico.

Sus compatriotas de Asobo Studio fueron mucho más honestos. Tras casi dos décadas picando piedra con licencias y encargos menores, decidieron dar un salto de calidad con A Plague Tale: Innocence. Aunque copiaron muchas ideas narrativas y jugables de The Last of Us, optaron por ubicarlo en la Francia del siglo XIV. La historia de su país es muy rica y la conocían bien, así que ¿por qué no situar su ambicioso proyecto allí? El resultado fue notable y se agradeció un soplo de aire fresco en cuanto a aventuras narrativas, que parecían limitadas al molde yanqui o al omnipresente Lovecraft. Por estos lares ha empezado a pasar algo parecido gracias al inesperado pelotazo de Blasphemous y su inspiración en el imaginario religioso y el arte sevillano. Siendo justos, quizá el mérito haya que atribuírselo a Maldita Castilla, que ya propuso algo parecido en 2012: una versión castiza de Ghosts’n Goblins donde nos enfrentamos a criaturas del folklore español inspirada en novelas de caballerías como Amadís de Gaula. Gracias a esa puerta abierta, ahora otros estudios patrios pueden seguir explorando el mismo camino, como en el próximo The Stone of Madness, que sucede en un monasterio jesuita del siglo XVIII, influido por las pinturas de Goya y por La Abadía del Crimen. Tres referencias nacionales que le dan un sabor propio imposible de encontrar hace años en juegos con piloto automático que preferían mirar hacia la Segunda Guerra Mundial, el Oeste o los zombis en vez de a su pasado, su cultura, su arte y su religión. Ya va siendo hora de quitarnos esos absurdos complejos de inferioridad hacia culturas extranjeras, principalmente anglosajonas.

Silent Poland

El reciente The Medium es un buen ejemplo de esta nueva tendencia. Aunque su mayor inspiración sea Silent Hill, otro de esos casos donde Japón prefería poner el foco sobre Estados Unidos que sobre su propio país, sus autores han decidido ambientarlo en su Polonia natal. Bloober Team ya había empezado a situar sus juegos ahí con The Observer, pero su historia de ciencia ficción podría pertenecer a cualquier región del mundo. The Medium transcurre en un escenario real, la Polonia postcomunista de los 90, en la que se criaron gran parte de sus desarrolladores y que por tanto conocen bien. Los lugares que recorremos, la estética y la historia aluden directamente a esa oscura época, inspirados en conflictos políticos y espacios reales, lo que aporta una textura de autenticidad y originalidad al conjunto. Lástima que por culpa de la pandemia no hayan podido incluir doblaje en polaco como tenían previsto. Uno de sus desarrolladores reconoce que algunas series recientes como Chernobyl o Dark les animaron a apostar por ubicaciones diferentes: «Nos dijeron ‘vale, tíos, no tengáis medio’; tenemos nuestra propia cultura y podemos ambientar una historia ahí que resulte atractiva para otros jugadores». Esa valentía ya ha dado sus frutos, pues el juego se ha convertido en el más exitoso de la compañía.

Remedy se ha labrado una gran trayectoria a base de inspirarse en el imaginario popular americano: el noir de Max Payne, el terror rural de Alan Wake, la ciencia ficción Quantum Break y el new weird de Control. Aunque sus obras tienen mucha personalidad y un inequívoco estilo visual, es una lástima que sigan obsesionados con la cultura yanqui. Ahora, libres de las ataduras de Microsoft, debería resultarles más fácil situar un proyecto en su país de origen. Seguro que Finlandia alberga muchas historias que merece la pena contar y Remedy podría aprovechar ese terreno inexplorado en los videojuegos, como ha hecho recientemente Röki inspirado en el folklore escandinavo, pero sin dejar de lado su acción y fantasía habituales. No se trata de reclamar ahora historias intimistas y dramas sociales, sino de aprovechar entornos exóticos y realidades desconocidas para crear universos sugerentes que nos inviten a adentrarnos en ellos para descubrir argumentos novedosos en todo tipo de géneros.

Así hemos vivido una road movie en la convulsa Italia de los 70 con Wheels of Aurelia. Hemos sufrido la triste realidad social en la Inglaterra del Brexit gracias al tríptico formado por The Night Fishermen, The Outcast Lovers y The Change Architect. Hemos conocido el White Terror de Taiwán por medio de Detention y visitado una versión onírica de Argentina mediante Promesa. Y próximamente recorreremos la Rusia de los Zares vía Black Book y la Indonesia rural con A Space For The Unbound. En el año 2000, el cómic Persépolis demostró que otro tipo de historias podían ser narradas con el noveno arte, atrajo a nuevos lectores, animó a jóvenes autoras a trabajar en el medio y supuso el boom de la etiqueta «novela gráfica». El relato autobiográfico de Marjane Satrapi cuenta la revolución de Irán en primera persona. Algo parecido propone 1979 Revolution: Black Friday, el primer juego independiente de un veterano de Remedy y Rockstar de origen iraní cuya infancia fue muy parecida a la de la dibujante.

Llevamos décadas consumiendo videojuegos plagados de fantasía, ciencia ficción y postapocalipsis. Necesitamos más historias humanas y cercanas; algunas que fueron y otras que podrían haber sido. Ya está bien de escenarios de cartón piedra, falsos decorados que impactan desde la lejanía pero a los que se les ven las costuras en la proximidad. ¿Para qué inventarse enrevesadas tramas a miles de kilómetros de distancia cuando podemos contar historias de kilómetro cero? ¿Por qué seguir recorriendo Monument Valley o la Quinta Avenida cuando nuestro propio país puede resultar igual de interesante y más profundo? ¿Para qué crear un gigantesco lore cuando podemos tirar de nuestro rico folklore? De las historias locales surgen los relatos globales, con los que una persona en cualquier parte del mundo puede sentirse vinculado. Hay una máxima que emplean muchos escritores: write what you know (escribe sobre lo que conoces). No hace falta que todos los videojuegos abracen la autoficción de la literatura actual, pero conocer otras realidades poco explotadas nos permite conectar con nuevos personajes, generar empatía y fomentar la otredad.