Gamelab 2019: Crónica de una oportunidad perdida

Después de una hora escuchando al ponente recorrer de manera anecdótica su trayectoria como creador de videojuegos en un formato de conversación a tres bandas (completan la mesa un periodista y otro creador), llega el turno de preguntas. La primera persona del público en coger un micrófono repite una pregunta que ya había sido lanzada por el entrevistador en algún momento de la charla, aunque la respuesta del ponente es calmada y da otra visión de lo que antes ha dicho, para no aburrir a quienes escuchamos. Es en la segunda intervención del público cuando las cosas cambian. Una de las personas que ha escuchado la hora corta de charla decide hacer una pertinente pregunta al invitado, pidiéndole que responda a las acusaciones de acoso y abuso que antiguas trabajadoras de su estudio realizaron hace meses. En ese momento, el director del festival coge el micrófono y pide por favor que se respete a los invitados y que sólo se realicen preguntas relativas a videojuegos. Después de eso, un silencio incómodo, una sonrisa forzada y la sensación de que si no se pueden hacer las preguntas que deben hacerse, las que de verdad importan, ya nada tiene importancia. «Estamos aquí por los videojuegos» dice. El problema es que los videojuegos no son sólo videojuegos. Son historias; sentido y dirección; son un problema y a veces también solución. Son hermenéutica viva. Necesitan de ser interpretados, igual que sus autores y las acciones de estos. Si convertimos a los videojuegos en un ente totémico, no perdemos sólo la capacidad de entenderlos y usarlos para entender el mundo en que son creados, sino que también perdemos a los mismos juegos. Los videojuegos son relevantes por su contenido y su contexto y ambos son igual de importantes si queremos ahondar en ellos y no quedarnos en un disfrute inane de los mismos. Y pese a todas las pegas que se le puedan poner al Gamelab, este es exactamente el objetivo del evento celebrado anualmente en Barcelona. El Gamelab es un evento que intenta ofrecer una visión total de ese poliedro que es el mundo de los videojuegos: hay conferencias de grandes figuras, dirigidas al público más mainstrem, que se solapan con charlas más técnicas dirigidas a desarrolladores; hay un espacio donde algunos estudios muestran sus creaciones y en torno a todo esto, se organizan eventos menos protocolarios como las fiestas Indie Burguer. Y aunque ciertos elementos funcionan como se esperaba, el evento en general vuelve a dar la sensación de oportunidad perdida. Un congreso de este tipo debería aspirar a ser relevante y revelante. Relevante no sólo por las figuras que en él se congregan (algo en lo que el Gamelab suele cumplir y que este año, por las faltas de Peter Molyneux y Randy Pitchford, tal vez no ha terminado de satisfacer expectativas), sino por su capacidad de aportar algo importante a una comunidad de la que dicen nutrirse y depender, a pesar de que no siempre se siente escuchada —insistían algunos en la necesidad de cambiar, por ejemplo, los precios que los estudios deben pagar por poner un stand de exposición. Pero también deberían orientar su andadura en convertirse en un evento revelante en la medida en que los ponentes deberían revelar elementos de sus obras (técnicos o simbólicos), para que los asistentes salgan de las conferencias con algo nuevo, una sensación de descubrimiento y significancia al tiempo invertido. Sí aparece esa impresión de estar asistiendo a algo único cuando el entrevistado o las ponentes ponen de su parte. Pudimos ver una entretenida charla entre Josef Fares y David Cage que perfiló mucho el carácter y las aspiraciones de ambos —incluso entre bromas dejaron abierta la puerta a una futura colaboración en un proyecto. En la conversación se notó que Cage ponía una nota más conciliadora y quizás bucólica del medio: «El futuro de los videojuegos pasa por crear personajes más realistas y con los que poder sentirme identificados», aseguró, mientras confesaba que su mayor inspiración «es siempre la vida y las emociones que en ella se contienen». Fares, por su parte tomó una vía más irreverente y jugó a provocar al público. Otra de los grandes momentos llegó con Arvi Teikari, creador del magnífico Baba is You, que mezcló filosofía y game design: «Quería explicar de manera jugable la tesis de Wittgenstein, que decía que los límites de mi lenguaje son los límites de nuestro mundo». En el juego del finlandés, el lenguaje y su uso cambia y determina nuestro entorno; para su creador, sin embargo, la interpretación lingüística del juego no es la única, ya que también hay quien ha visto una teoría sobre lo que significa ser uno mismo y los límites de nuestra identidad. Junto a las charlas más mediáticas también hubo pequeños destellos de calidad, como la ponencia inicial de Daniel Sánchez-Crespo en la que dio claves reales sobre la industria española y sobre sus potencialidades y debilidades; o la que llevaron a cabo Katie Scott, Kate Edwards, Sarah Elmaleh y Miriame Lachapelle para hablar de realidades que no siempre aparecen en eventos así, como lo son la toxicidad o la necesidad de ampliar el espectro en cuanto a inclusividad y diversidad, tanto en los videojuegos como en el mundo de la autoría y creación de los mismos. Pero más allá de todo eso, la sensación del Gamelab fue algo gris. Y no porque la organización esté haciendo mal las cosas, sino porque el enfoque no parece el más indicado para tratar nada en profundidad. Igual el formato con conferencias de grandes nombres que vienen a decir y presentar nada, mezcladas con charlas más técnicas orientadas a un público que viene sobre todo de centros formativos, unidos a la serie de stands para los videojuegos de estos mismos estudiantes, no ayuda a centrarse en ninguna de las tres cosas. Es inevitable pensar, un año más, que algunos ponentes no tienen un objetivo claro y que están en el escenario de paso. Y eso, de cara a quien se quiere formar una idea de lo que tiene para ofrecer el Gamelab, es negativo. Entiendo el objetivo del proyecto: mostrar una idea holística del mundo de los videojuegos. Pero si todo se cimenta en estos, es incomprensible que el lugar donde se exponen y se pueden probar las creaciones de algunos de los mejores alumnos de los centros formativos de nuestro país sea casi un no-lugar. Los no-lugares son esas zonas que no tienen entidad propia; que no son más que espacios de paso; tránsitos obligatorios entre diferentes áreas que sí que son lugares de rigor —como el Hall donde se reúnen los periodistas para entrevistar a los ponentes y la sala de conferencias donde estos realizan sus charlas públicas. Pero en ese espacio entre ambos lugares es donde se encuentran los videojuegos; en una zona que no es un lugar, sino un corredor donde los juegos se apilan con la esperanza de que la gente de paso se pare ante uno de los monitores expuestos para ver qué tienen que ofrecer. Un espacio así determina cómo experimentamos lo que en él encontramos y caracteriza muy bien las prioridades de quien organiza los espacios. Y los videojuegos en este paradigma, no parecen la prioridad. Dice Simon Parkin en su imprescindible “Muerte por videojuego” (2016) que el poder de los videojuegos reside en la potencialidad de proporcionar a las personas, un espacio del que formar parte, en el que verse representadas, compartir sus historias o incluso experimentar nuevas formas de ser. El poder de los eventos que se centran en los videojuegos debería ser el mismo: dotar a la gente de un lugar del que sentirse parte de una comunidad y en el que poder compartir experiencias genuinas y significativas. El Gamelab está orientado hacia este fin, pero no termina de dar con la tecla correcta que ponga medios para alcanzarlo. Habla de juegos, pero no termina de saber qué hacer con ellos; menciona a la comunidad (quizá habría que hablar de comunidades), pero no termina de generar una sensación de formar parte de ninguna y da la sensación de dar pasos hacia delante, sin tener muy claro qué implica o a dónde lleva esa dirección.