Muerte y resurrección de los géneros

Sí, todo es cíclico en esta vida, incluso los videojuegos y sus géneros. Sin embargo, hasta hace bien poco, más que ciclos, parecía que vivíamos un simple proceso cerrado, que los géneros, al igual que el shovelware, eran cosas de usar y tirar: nacían, crecían y finalmente, morían. Y se acabó. Las desarrolladoras consideraban que llegaba un punto en el que el público se cansaba definitivamente de tal o cual género, y que éste ya no daba más de sí; no podía ofrecer nuevas experiencias, no podía atraer a nuevos jugadores o sencillamente se había quedado obsoleto, desplazado por otros géneros más nuevos e inherentemente superiores. El cortoplacismo de nuestra industria y el culto a todo lo nuevo (inevitablemente de la mano en un medio tan dependiente de la tecnología como el nuestro) han perpetuado durante mucho tiempo esa visión distorsionada de géneros con fecha de caducidad, equiparándolos a piezas de hardware que se van quedando obsoletas paulatinamente. Pero poco a poco estamos viendo que las cosas no son exactamente así. Nuestro medio es joven y sencillamente, hasta ahora no habíamos tenido suficiente tiempo físico como para ver el renacer de un género, más allá de los ocasionales rebrotes de nostalgia retro. El ejemplo más claro de un género que ha sido capaz de demostrar qué géneros considerados muertos o moribundos pueden llegar a recuperarse lo tenemos en los plataformas, cosa nada sorprendente; al ser uno de los más antiguos, también ha sido uno de los primeros en completar todo el ciclo de nacimiento, auge, declive y posterior renacimiento. No en vano es un tipo de juego que ha pasado de verse reducido a prácticamente tres franquicias en la anterior generación (Jak & Daxter, Ratchet & Clank y Mario, con el Psychonauts haciendo de comparsa genial y trágica en medio de todos ellos), a volver a cobrar protagonismo con títulos como Mirror’s Edge o LittleBigPlanet, pese a no llegar a recuperar toda la influencia que tuvo en sus años dorados, eso sí. Sin embargo, no debemos engañarnos: su renacimiento no se ha debido a la casualidad o a un destino manifiesto e inexorable. Hay géneros con la misma solera (o más) como las aventuras gráficas o los matamarcianos que no tienen visos de salir de su actual estado de letargo comatoso. Y este artículo viene a intentar responder una cuestión que me parece fundamental, porque no siempre vamos a tener géneros nuevos de los que seguir tirando: ¿qué pasos habría que seguir para renovar un género que se haya estancado?

1. Saber aprovechar la oportunidad

Como muy bien decía Ortega y Gasset, «yo soy yo y mis circunstancias». Y las circunstancias tienen bastante que ver en esto de resucitar géneros. No es una cuestión de que los tipos de juego se pongan de moda cíclicamente, sino de ver qué avances tecnológicos o qué factores externos se han puesto de parte de nuestro género, y aprovecharlos. Los plataformas vieron que en esta generación —en la que todos los programadores coincidieron en afirmar que las físicas tendrían mucho que decir—, ellas podían subirse al carro de las físicas por todo lo alto. No en vano, ¿qué son los plataformas sino saltos, inercia y momentum? Ahora, la cuestión es que el resto de géneros aletargados hagan lo propio. Si los matamarcianos son un género de mecánica simple y de fácil diseño de niveles, ¿por qué no aprovechar la ola de la web 2.0 y subirse al carro de los niveles hechos por usuarios al estilo LBP? Si las aventuras gráficas dependían del ratón para jugarse, ¿por qué no aprovechar el interfaz de la DS y la Wii para ampliar la base de usuarios y dejar de restringirse al PC como ya han empezado a hacer tímidamente algunas desarrolladoras japonesas? Si la IA y el contenido procedural van a abrir nuevas posibilidades a la hora de interactuar con personajes, ¿por qué no aplicar eso a un género tan dependiente de los personajes y sus interrelaciones como los JRPGs? Las oportunidades están ahí fuera para quien quiera aprovecharlas. Las desarrolladoras no deben esperar sentadas a que un género «se ponga de moda», como si eso fuera a ocurrir espontáneamente por intervención divina, sino que tienen que analizar a cuál de ellos favorecen las circunstancias externas.

2. Cambiar la temática

Algo que suena tan sencillo sobre el papel y que resulta tan difícil de tragar para algunas desarrolladoras. Ni todos los plataformas tienen que centrarse en bichillos simpáticos, ni todos los FPS tienen por qué ambientarse en la Segunda Guerra Mundial, ni todos los JRPGs tienen por qué tratar sobre adolescentes salvando el mundo. No se trata de mover más polígonos o mayores texturas, sino de cambiar el estilo y tono del juego; mucha gente juzga los libros por su portada y todo el mundo se ve más atraído o rechazado por el ambiente general de un juego u otro. Si Valkyria Chronicles hubiera vuelto a ofrecer adolescentes andróginos salvando el reino o Mirror’s Edge hubiera ido sobre robar bolsas a los nazis me temo que pocos hablarían de estos juegos. O argumentándolo a la inversa, si el genial Zack & Wiki hubiera optado por una estética distinta a la cartoon, seguramente más usuarios habrían captado que se trataba de un juego de aventuras distinto a lo habitual. Los conceptos nuevos, para llegar a una nueva audiencia, no sólo han de ser nuevos, sino aparentarlo.

3. No confundas el fin con los medios

Uno de los errores más comunes y que más fácilmente pueden acabar por saturar un género. El proceso de anquilosamiento surge casi siempre de la misma manera: un juego concreto encuentra una solución ingeniosa para una de sus limitaciones técnicas o jugables como, pongamos, la combinatoria de objetos en las aventuras gráficas. La solución funciona bien y es adoptada por el resto de los juegos del mismo tipo hasta llegar a un punto en el que no se concibe hacer un título de dicho género sin poseer esa solución concreta. Y ahí comienza el hastío. Combates aleatorios, barras de energía, combos, inventarios… son apoyos, no partes indisolubles e imprescindibles de un juego. Son una manera de solucionar un problema, y raro es el problema que no tenga más de una solución. Así que cabe preguntarse: ¿es ésa la mejor solución de todas?

4. No consideres nada sagrado

Si te encuentras a Buda, mata a Buda. Si te encuentras a los puristas (que no necesariamente jarcors) pidiendo tu cabeza, mátales también. Nada es sagrado en este mundo. Al final lo que importa es que el juego genere la emoción correspondiente a su género o saga, y tanto da el recurso que se use para ello. Escuchar a los fans es bueno, pero al diseñar un juego (o cualquier otra cosa) intentando que éste no «ofenda» a nadie, lo estás abocando al fracaso. No impongas limitaciones arbitrarias a los géneros sólo porque «se haya hecho siempre así» o porque «de hacerlo de esta manera pedirían mi cabeza». Y si alguna de esas limitaciones resulta no ser arbitraria, sino un verdadero problema, ten en cuenta que con ingenio (y pelas) se puede superar cualquier obstáculo. No en vano, recuerda que los puristas clamaron en su momento que era imposible combinar FPS con plataformas (yo, sin ir más lejos), que convertir Metroid en juego en primera persona era un error, y que los combates de Final Fantasy iban a ser por turnos por siempre jamás.

5. Tampoco olvides lo que hizo grande a tu género o saga inicialmente

Muchas veces un añadido o solución acaba por eclipsar lo que verdaderamente importa. Los juegos de lucha van sobre competir contra un rival mediante reflejos y timing, no sobre desbloquear cosas. Los plataformas tratan sobre superar obstáculos ambientales mediante la habilidad, no sobre disparar a cosas o elaboradas tramas dramáticas. Cuando SoulCalibur o Sonic olvidaron los fundamentos sobre los que se asentaban sus respectivos géneros o sagas, acabaron por perderse completamente. Separa la esencia de los géneros de sus añadidos, y recuerda que cuando intentas lograr hacer muchas cosas al mismo tiempo (contar una historia, crear un juego competitivo, hacer reír, hacer pasar miedo…) es bastante probable que acabes sin lograr hacer bien ninguna de ellas. Da igual lo interesante que sea la historia del Sonic next-gen: si no es capaz de hacer que disfrutes dando saltos, habrá fracasado. Da igual que SoulCalibur IV tenga a doscientos billones de armas y ropas distintas, porque si su plantel de luchadores está desequilibrado y sus combates acaban resultando arbitrarios, de poco le servirá. Céntrate en el objetivo concreto que tu género o saga quiere conseguir, y deja su base bien sólida y pulida antes de empezar a complementarla con añadidos.

6. Recupera la franquicia estandarte, o crea una

Todo género tiene un símbolo, un estandarte, que diría Conan el bárbaro. Cuando uno piensa en un sandbox, lo primero que se le viene a la cabeza es GTA; cuando uno piensa en un plataformas, Super Mario Bros. Claro que los representantes de cada género cambian con el tiempo y que a veces, cuando un género está en su apogeo, no sólo tiene uno, sino varios «campeones», como pasa ahora con los FPS. Pero cuando un género pierde a su estandarte, también pierde un gran parte de su atractivo para las desarrolladoras, dado que ya no habrá juego de referencia para inspirarse, ni manera de convencer a los ejecutivos de que otro juego del mismo género será rentable. No es coincidencia que la peor entrega de Mario coincidiera con la casi extinción de su género, o que la agónica decadencia de Final Fantasy se esté viendo acompañada por un estancamiento de los RPG japoneses. Para que las desarrolladoras vuelvan a apostar por un género, necesitan un referente que les muestre cómo se deben hacer las cosas.

7. Y si todo falla, recuerda que el mestizaje es bello

La combinación de dos géneros en principio dispares puede dar lugar a una tercera experiencia mucho más interesante que sus partes originales. Deja eso de «la pureza» para el movimiento ario y quien se crea esas tonterías. Combinaciones que se pensaban imposibles o casi heréticas han acabado dando lugar a juegos increíblemente brillantes. Actraiser es un cruce entre god game y juego de acción, Profesor Layton es una mezcla de Brain Training y aventura gráfica, Puzzle Quest es un híbrido de puzle y RPG. Y por si fuera poco, esos juegos tienen como efecto colateral el reaprovechamiento y reactivación de géneros que se pensaban abandonados o exhaustos. La diferencia entre un cruce de juegos bien hechos y los experimentos fallidos a la hora de introducir elementos de otros géneros a capón en otro, es que esos juegos abrazan a sus géneros originales. Por ejemplo, Profesor Layton no es una aventura gráfica que quiera ser Brain Training. Es una tercera cosa diferente, que toma la esencia de los dos géneros de los que parte y la fusiona, haciendo que cada género supla las carencias del otro. Layton consigue poner a prueba tu mente (objetivo de entrenadores mentales diversos) y además, hacerte partícipe de una historia mediante tus dotes detectivescas (objetivo de una aventura gráfica), quedándose con lo que mejor funciona de sus respectivos géneros; toma los puzles lógicos y abstractos del primero para sustituir las tediosas combinaciones de objetos del segundo, y coge la historia y exploración apacible de las aventuras gráficas a modo de progresión en sustitución del seco y poco motivador sistema de medición de edad mental de Brain Training, dando lugar a un caso brillante de innovación a través de la fusión de géneros. En definitiva, lo que quiero intentar transmitir con este artículo es que las desarrolladoras, antes de dar un género por perdido, se deberían plantear si de verdad se ha hecho todo lo que podía hacerse con él. O expresándolo de otro modo más elocuente, os pregunto: las aventuras gráficas, los beat ‘em up al estilo Double Dragon, los matamarcianos… ¿esos géneros han muerto? ¿O no será más bien que los han dejado morir?