Los documentales que se centran en el hasta hace no demasiado casi satánico mundo de los videojuegos son un fenómeno casi enteramente del siglo XXI. En los últimos diez años, la lista de películas de no ficción sobre nuestra industria ha aumentado considerablemente, como es lógico, y ha dado joyas como The King of Kong, el fabuloso documental sobre el juego competitivo. Menos conocido pero sorprendentemente también recomendable es este Second Skin, de 2009, una película que sigue la pista a una serie de jugadores de MMORPGs y deja ver cómo estos juegos afectan, positiva o negativamente, a sus vidas.
Tengo envidia. Al leer los artículos que escriben mis compañeros para esta sección, tengo envidia. No puedo evitarlo. chiconuclear y pinjed no se cansan de analizar las mierdas más infectas y bizarras que ha dado el mundo del celuloide. Y encima lo hacen con muchísima gracia. No sólo porque ambos disfruten de una prosa fluida y afilada, que también, sino porque con películas como Joysticks o Cómo fabricar un monstruo uno puede cebarse alegremente, revolcándose en la inmundicia fílmica como un gorrino en su cochiquera.
Así que ahí estoy yo, pensando «esta vez me busco una peli mala. Pero mala, MALA», y de repente viene a mi mente el título de una, relacionada con los videojuegos, de la que oí hablar una vez: Ben X.
Por lo que sabía, trataba acerca de un chico perdedor en la vida real, pero todo un badass dentro de un juego masivo online. Viendo las barrabasadas que normalmente hacen con la temática videojueguil en las películas de hoy en día, un filme centrado en un MMORPG prometía lulz asegurados, así que pertrechado con un bol de palomitas y una Coca-cola de dos litros me senté frente a la pantalla, preparado para ver una bazofia de proporciones épicas a la que poder criticar inmisericordemente. Aparecen los títulos de crédito y veo pasar ante mis ojos ”Basada en hechos reales”. «Jojojo, esto va a ser tronchante», río para mis adentros.
Afortunadamente, no podía estar más equivocado.
Hace unos días, Pep nos mostraba un bochornoso caso de product placement en el que Clark Kent saltaba como un mono por el comedor de su casa mientras jugaba al Natal en la aún más bochornosa Smallville. Fue un momento de vergüenza ajena que se ha repetido durante muchos años en la televisión y, en menor medida, el cine.
Pero el extremo más salvaje de esta práctica mercadotécnica es posible que se haya alcanzado con la película de la que pienso hablaros hoy, The Wizard, considerada por muchos (en realidad sólo por mí, pero, como líder de opinión que soy, ya estais de acuerdo conmigo aunque no lo sepáis, así funciona esto) el anuncio promocional más largo de la historia de Nintendo con una duración de nada menos que 100 minutazos clavados. Es la escalofriante exactitud de la gran N, la precisión de El Mal en su forma más pura y terrible.
Aunque el cine adolescente puede parecer un pozo sin fondo de bondad, amor y obras maestras del séptimo arte, pero, ¡atentos!, no es tan difícil rastrear auténticos espantos filmados en este género de nobleza tan férrea. Mirando hacia atrás, tenemos ejemplos de auténticos tótems cinematográficos teenagers como Animal House (Landis, 1978), obra maestra indiscutible de lo inmaduro; un poco más adelante tenemos American Pie (Weitz, 1999) como ejemplo de película adolescente, más aún: como LA película adolescente por excelencia, la primera que llega a la cabeza de cualquiera cuando piensa en cine por y para mentes aún por desarrollar1. Siguiendo el propio recorrido de la serie American Pie vemos que no todo el campo es orégano, y así, después de tres películas que aunque soportables fueron cuesta abajo irremediablemente, tocan fondo con Band Camp (Rash, 2005), que es realmente todos los desastres naturales del mundo metidos en un DVD. Con The Naked Mile (Nussbaum, 2006) la serie recuperó un poco del fuelle original (ya sin ninguno de los actores originales, lógicamente) y se ha mantenido desde entonces en ese nivel: películas directas al DVD que aprovechan el tirón de American Pie para presentarnos a unos cuantos adolescentes en situaciones sexualmente incómodas, haciendo gamberradas y, en general, luchando por todo lo que le importa a un adolescente de hoy en día: despojados de principios, sólo nos gusta beber, aparcar el salchichamóvil en donde se nos presente la ocasión y meternos una rayita de vez en cuando. Joysticks (Clark, 1983), desgraciadamente, mete los pies y las piernas hasta las rodillas en el fango del mal cine y nos ofrece uno de los espectáculos adolescentes más desquiciados que pueden verse en una pantalla.
- Aparte, claro está, de el 97% del cine de Hollywood, que también está dirigida a gente más simple que una patata pero que lo intenta disimular con más o menos éxito. [↩]
Tengo que reconocerlo: Avatar me fascina. Como fan de todo proyecto megalómano, desde las torres de Dubai, hasta el Panzer Maus del Tercer Reich, pasando por el proyecto olímpico de Madrid, Avatar ejerce en mí una atracción similar a la que una vela tendría en una polilla.
Ésta es una película —muy— criticable y discutible. Su historia está manida (Pocahontas en el espacio), su planteamiento es maniqueo (yo estaba deseando que los marines acabaran con esos sucios jipis) y su banda sonora es atroz (¡Horner dimisión!). Si a eso le unes el éxito en taquilla y el malsano sentimiento de “odio esta película porque tiene mucha más recaudación que mi película de culto favorita” (como si ambas películas buscasen el mismo tipo de éxito), te encuentras con una de esas cosas que hacen que odiarlas hagan que moles mucho más como, pongamos, Apple, Leonardo Di Caprio o Titanic.
Sin embargo, hay algo que me llama todavía más la atención: que siendo una película friki a más no poder, guste a padres, abuelas, taxistas, novias, críticos de cine, compañeros de trabajo y, en definitiva, a todo el mundo, mientras que las críticas más feroces provienen curiosamente de… los videojugadores. ¿Por qué ese odio? O mejor, ¿por qué ese odio si por mucho que la película sea mala, buena, regular o un mojón infecto, lo que no puede negar nadie es que Avatar es toda una declaración de amor a los videojuegos, llena de ideas plagiadas con todo el mimo y el cariño del mundo y de homenajes a varios niveles?
Debo confesaros algo. Elegí Nivel 13 prácticamente en el mismo momento en el que supe que haríamos Filmageddon. Hacía mucho tiempo que la había visto pero por algún motivo esa parte de mi cerebro que se acuerda de las cosas que a mi se me olvidan lanzó una señal a mi Yo consciente, como un náufrago dispararía su última bengala ante el avistamiento en el horizonte de un yate recreativo monegasco con la cubierta forrada de supermodelos; indicándomela como perfecta para la sección.
Y, sin embargo, a medida que veía la película de nuevo no he podido evitar que en un pensamiento se asomara por el borde de mi conciencia, inquietándome: ¿He hecho bien al elegirla?
El cine de terror, desde que existe, ha ido alimentándose sistemáticamente de las preocipaciones sociales de cada época. Tal como dice el doctor Repronto en una de sus apasionantes microconferencias, los vampiros eran el poderoso aristócrata que amenazaba con quedarse con tus tierras y trajinarse a tus hijas, y los zombies no son otra cosa que el reflejo metafórico de las masas harapientas del tercer mundo intentando sobrevivir únicamente movidos por el hambre y despojados de cualquier atisbo de raciocinio. Las películas de miedo viven, en última instancia, de los telediarios.
En este sentido hay que destacar cierta tendencia que vivió su auge durante el primer lustro de este siglo. Con su origen en Japón aunque inmediatamente se extendiera en dirección a occidente, vimos como el cine de terror se veía súbitamente invadido por películas que intentaban meternos el miedo en el cuerpo por una vía fácilmente identificable porque nos afecta a todos por igual, independientemente del estatus social o cultural: la cotidianeidad. Tirando de cintas de vídeo en Ringu (y su remake yanqui The Ring) o de los teléfonos móviles en Llamada perdida, el nuevo terror japonés nos lanzaba a la cara niñas macilentas de pelo largo y una variedad casi indistinguible de críos fantasmagóricos que, a través de un objeto que todos tenemos en casa y utilizamos casi a diario, intentaban acabar con nosotros. Aquí es donde entra Stay Alive, un claro intento de introducir los videojuegos en esa rebelión espectral de la electrónica de consumo y, pese a que como película de terror deje mucho que desear, sus intenciones no podrían ser mejores.
Samuel L. Jackson tiene que proteger a un tipo que se ha metido en problemas con la mafia escoltándolo en un viaje de avión. Los mafiosos, que son más listos que el hambre, meten un cargamento terrorífico de serpientes venenosas en la zona de carga del avión, con un pequeño mecanismo que las liberará cuando estén surcando los cielos, sin escapatoria posible. En el avión está Elsa Pataki y Kenan, de Kenan y Kel, entre otros muchos pasajeros cuya función en la historia es servir de pasto para las serpientes, sanguinarias y letales, depredadoras, que no quieren hacer otra cosa que comerse a todo el mundo; lo que no saben es que si se comen al piloto el avión se estrellará e incluso ellas morirán, con lo que no habría tenido ningún sentido comerse a la gente: ¿de qué sirve llenar el estómago si acto seguido te estrellas con un avión y mueres? Son animales y no lo saben, claro, y por eso los mafiosos son malvados: se aprovechan de seres inocentes y los llevan a la muerte. (No son malos por ir a por el tipo este, que algo habrá hecho, el muy cabrón; no te metas con la mafia y no te perseguirán con serpientes venenosas, melón.)
El tiempo, 1983. El lugar, Estados Unidos. Ronald Reagan lleva ya un par de añitos repanchingado en el sofá presidencial y nos encontramos en una de las épocas más tensas de la guerra fría. Es entonces cuando John MacDonald Badham1, autor de, entre otros peliculones, Fiebre del sábado noche y Cortocircuito, elabora un entretenidisimo y digno alegato en contra del clima belicoso que se respira en USAmérica.
O al menos esa es la interpretación tradicional. Porque yo, amigos míos, veo en Juegos de guerra una crítica feroz, indiscriminada y ultraconservadora a la informática y los videojuegos. Permítanme que me explique:
- Juan MacDonald Maljamón, así se llaman los americanos de pura cepa, hostia ya. [↩]
Los remakes son una lacra que está pudriendo el cine desde sus propios cimientos. Creo que en esto estaríamos todos más o menos de acuerdo. Sin embargo, de vez en cuando la divina providencia nos regala chispazos de absoluta genialidad como ocurrió con La cosa de Carpenter, La invasión de los ultracuerpos de Philip Kaufman o la última y magnífica Casino Royale. Y este, en efecto, no es el caso de Cómo fabricar un monstruo.
Dirigida en 2001 por George Huang1 para estrenarse directamente en televisión y basada (o eso dicen) en la original de 1958, la película nos cuenta el loco proceso de desarrollo de un juego llamado Evilution (traducido al español como “El avance del mal”, contribuyendo así sus actores de doblaje a convertir el filme en algo ya de por sí más ridículo) por parte de la compañía Clayton Software. Tras la concienzuda fase de testeo que llevan a cabo un grupo de niños de once años a los que se remunera con galletas, los responsables del estudio llegan a la conclusión de que el supuestamente terrorífico y adictivo Evilution es lo que vendríamos a llamar un montón de mierda caliente.
- Director y guionista que en los noventa trabajó con titanes como Kevin Spacey o Benicio del Toro. Poca broma. [↩]
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